Jednoduché prvky hudební formy

Hudební forma je celé dílo, ale na druhou stranu se skládá z designově odlišných částí. Každá část je oddělena od druhé. To je vnímáno jak vizuálně (pokud se podíváte na poznámky), tak sluchově.

Jak jsem již zmínil v předchozím článku, jakákoli hudební forma je postavena na principech kontrastu a identity.

Tyto principy se mohou projevovat v jednotlivých prvcích hudební textury (například v rytmu, harmonii či melodii) nebo v jejich komplexu. Když je jasně vyjádřen kontrast nebo identita mezi částmi, pak můžeme pozorovat vymezování, separaci konstrukcí.

Toto dělení částí funguje jak na úrovni motivů, dob vět, tak na úrovni celých částí díla. Obvykle se taková artikulovatelnost hudební formy přirovnává k literárnímu dílu: kapitoly, odstavce a oddíly jsou prvky literární formy.

Nejdůležitější pro zvládnutí a pochopení jakékoli hudební formy je césura. Césura je okamžik mezi jakýmikoli částmi formy. Správně zvolená césura umocňuje pocit jednoty a kontrastu formy a vytváří potřebné členění hudební řeči.

Mnoho autorů má na svědomí nedostatek jasných césur, což někdy připomíná dílo bez interpunkčních znamének. Použití césur naznačuje logické myšlení autora a pomáhá posluchači snadněji vnímat hudební materiál. Na druhou stranu zkušení skladatelé vždy používají mazané techniky maskování césur, což vytváří určitý nedostatek porozumění. Je to podobné básnickému prostředku, ve kterém se konec věty přesune na začátek dalšího čtyřverší.

V psaní používáme tečky, čárky, pomlčky atd.

V hudbě existují také různé druhy césur.

Podívejme se na nejoblíbenější známky césury:

1) Pauza je nejjednodušší a nejúčinnější způsob, jak vytvořit cézuru. Pauza téměř vždy zní dobře.

Na tuto techniku ​​se však z nějakého důvodu nezaslouženě zapomnělo, zejména v oblasti doprovodných dílů.

Jednou z nejúčinnějších technik kompozice a aranžmá jsou ostré pauzy všech nástrojů.

Použití pauz ve vokálních linkách
Toto Afrika


Radiohead Jak se máš?

2. Zastavení na dlouhý zvuk.

Doba trvání zvuků se může lišit, ale obvykle je známkou césury zvuk, který je delší vzhledem k celkovému pohybu melodie.

V níže uvedeném příkladu je fráze o 4 taktech rozdělena na dva motivy s polovičním trváním.

“Darly Beloved” od Green Day

3. Opakování melodicko-rytmických figur se stejně dlouhými takty V příkladu s použitím tohoto typu césury jsou motivy ohraničeny.

Znakem césury jsou také různé druhy změn registru, dynamiky, tzn. techniky jsou založeny na principech kontrastu.

V improvizaci se často používají cézury se změnou typu trvání.

Například změna z trojic na šestnáctiny nebo změna tempa z osminových na čtvrťové atd.

Typicky jsou césury nejvýraznější v hlavním hlase.

V tomto případě doprovod (doprovod nebo doprovodné hlasy, basa, bicí) nesmí obsahovat přestávky.
Část formy ohraničená césurou se nazývá konstrukce.

Konstrukce je v hudební formě velmi důležitý pojem. Může to znamenat několik pruhů nebo velkých částí formuláře.

Vše závisí na typu césury a analyzované práci.

Důležité je, že začátek i konec stavby se velmi zřídka shodují s čárou tyče, která nejčastěji slouží k uspořádání měřiče.

Koincidence césury s metrickým dělením je charakteristická pouze pro hudbu motorického charakteru

(mnoho popových skladeb je postaveno přesně podle tohoto principu: 4+4+4 atd.).

Části formy, oddělené od sebe, jsou v různém druhu podřízenosti, díky čemuž tvoří celek. Později budu uvažovat o typech takové podřízenosti a jejich aplikaci v praxi kompozice.

V počáteční fázi studia hudebních forem se dostáváme do velmi úzkého kontaktu s hudební syntaxí.

Jeho podstata je v rozdělení relativně ucelené hudební myšlenky na části a rozebrání jejich vzájemné podřízenosti.

Hudba se skládá z teček, stejně jako text se skládá z vět, a z toho se tvoří hudební forma. V tomto díle se seznámíme s formou a její provázaností s žánrem.

Jde o součást interaktivních lekcí, které připravila vzdělávací platforma Level One ve spolupráci s největšími ruskými odborníky.

Dalších 500 lekcí v 15 oblastech, od historie a architektury po zdraví a vaření na levelvan.ru/plus

Autor lekce
Držitel Ceny osvícení, autor nejprodávanějších knih „Půl hodiny hudby“ a „Jak poslouchat hudbu“

Pojďme se bavit o hudební formě, zjistit, které formy se nazývají jednoduché a jak souvisí s žánry.

Hudba se vyvíjela po mnoho staletí v těsném spojení s poezií. Ve starověkém Řecku a ve středověku byly nerozlučně spojeny, protože profesionální hudba byla převážně vokální. Pod přímým vlivem církevních textů se vyvinuly specifické hudební formy gregoriánského chorálu, protestantského chorálu a ruského chorálu Znamenny. Všude hudba následovala slovo.

__ Světské žánry se rozvíjely pod vlivem světské poezie a literatury. Nejmenší atom hudební formy – motiv (pamatujte, jako “mmm, Danon”) – lze přirovnat ke slovu. 2-3 motivy tvoří frázi – tento termín je společný pro literaturu a hudbu. 2-3 fráze je věta, také obecný pojem. 2 věty – tečka; Toto slovo pochází ze starověké metriky, označuje linie spojené rytmickým celkem, tedy slokou.

Období je nejjednodušší z hudebních forem. Je také hlavním stavebním kamenem všech složitějších klasických hudebních forem. Jakoukoli hudbu z klasicko-romantického období lze rozdělit na období.

Období – hudební obdoba sloky, kde po prvním řádku (frázi) se můžete nadechnout, po druhém dát čárku, po třetím opět nadechnout a po čtvrtém dát tečku – malá myšlenka je dokončena.

Přes zvlněné mlhy
Měsíc se vplíží dovnitř
Na smutné louky
Vrhá smutné světlo.

Nyní si poslechněte píseň, kterou k tomuto textu napsal Georgy Sviridov: v něm hudební forma a hudební syntax zcela opakují básnickou formu. Sloka písně se rovná období. A ačkoli se poslední dva řádky v každém verši opakují, takové opakování nedává formě novou kvalitu.

Stejně jako v poezii určuje délku řádku a obrys sloky zvolený básnický metr, i v hudbě má období základní konfiguraci. Je pravidelný, symetrický a čtvercový: 4 takty + 4 takty = 8 taktů. To je přesně případ Sviridova. Ale pravidla se dělají proto, aby se porušovala, a v písňových a tanečních žánrech se často vyskytují pravidelné čtvercové periody – ty nejsilněji podléhají rytmickému vzorci: je nepohodlné zpívat napříč textem a tančit, pokud se pravidla tance neustále mění. .

Nejprve se podívejme, jak to funguje ve vokální hudbě.

→ Mozart, Aria Figaro. Pamatujte, že opakováním řádků 3 a 4 nevznikne nová část formuláře.

Audio ukázka na YouTube
⏱ Doba poslechu: prvních 25 sekund.

→ Glinka, perský sbor z opery „Ruslan a Ludmila“.

Audio ukázka na YouTube
⏱ Doba poslechu: prvních 33 sekund.

Jak vidíte, posloucháme jen malé úryvky. Období je stavebním kamenem, jen zřídka je samostatnou formou., ale občas se to stejně stane, když mluvíme o miniaturách. Například jako v Preludiu č. 7 A dur od Chopina, psaném ve valčíkovém rytmu.

Ale nejčastěji je období formou prezentace tématu. Poslechněte si začátek Svatebního pochodu z Wagnerova Lohengrina – jaká je to správná čtvercová perioda.

Přečtěte si Zavřít —>
text • 5 min —>

Jednoduché formy v hudbě se nazývají písňové formy, zdůrazňující jejich spojení s vokální hudbou. Patří sem jednoduché dvoudílné a jednoduché třídílné formy.

Dvoudílná forma se zrodila ze struktury písně sbor-refrén. Srovnává se s dobou příznivě, protože umožňuje rozvinout hudební nápad nebo představit druhý nápad.

Poslechněte si Beethovenovu píseň „The Groundhog“, která je vám pravděpodobně dobře známá. Sloka se skládá ze dvou malých období: refrénu a refrénu.

Dvoudílnou formu často najdeme v jednoduchých dětských hrách. – zejména ty spojené s písní.

Například „Veselý rolník“ ze Schumannových „Dětských scén“: Ačkoli je to pro klavír, jeho žánrem je píseň, kterou chcete zpívat na její melodii. Upozorňujeme, že obě části se opakují. To je norma.

Podobným příkladem je „Italská píseň“ z Čajkovského „Dětského alba“. Zde se opakuje pouze druhá část.

Jednoduchá dvoudílná forma je stejně jako dobová důležitým stavebním materiálem pro větší formy. Jsou v něm zapsány jednotlivé části velkých skladeb. S jednoduchou dvoudílnou formou se zvláště často setkáváme v tanečních žánrech, např. ve valčíkech Schuberta a Chopina.

Nebo ve slavném „Valčíku“ od Gribojedova.

Audio ukázka na YouTube
⏱ Doba poslechu: prvních 40 sekund.

Ve dvoudílné formě lze hlavní nebo vedlejší téma napsat v sonátové formě. Například hlavní téma v první větě Borodinova Smyčcového kvartetu č. 1.

Stejně jako témata pomalých vět, finále sonát a symfonií. Velmi často jsou náměty pro variace komponovány ve dvoudílné podobě – jako ve slavném Ariosu ve druhé větě Beethovenovy sonáty č. 32.

Přečtěte si Zavřít —>

Telegramový kanál
Level One

Inspirativní příspěvky, novinky a dárky pouze pro předplatitele

3️⃣ Jednoduchá třídílná forma je nejuniverzálnější z písňových forem. Její schéma je ABA. Má kontrast (střední část) a je zde symetrie a stabilita: identická první a třetí část drží svůj tvar jako dvě podpěry. Jeho dokonalá architektonika sahá až k francouzské estetice, k empírové architektuře (vzpomeňte na vítězné oblouky, budovy se dvěma křídly nebo na návrh kazaňského chrámu v Petrohradě).

Obsah formuláře souvisí s klasickou rétorikou: první část (A) je prezentace myšlenky, druhá část (B) je její analýza, diskuse nebo prezentace druhé myšlenky, třetí část (A) je vyjádření počáteční myšlenky. Samozřejmě existuje trojdílná forma bez reprízy, ale právě v tomto opakování je její hlavní smysl a krása.

Třídílná forma působí skvěle sama o sobě, je v ní napsáno mnoho instrumentálních miniatur: etudy, preludia, nokturna, programové kusy, části suit.

Začněme jednoduchým příkladem: „Německá píseň“ z Čajkovského „Dětského alba“ – zde je vše jasné a srozumitelné.

Zde je ale méně „čtvercový“ příklad z „Dětského alba“ – hry „Baba Yaga“. Nezapomeňte si všimnout, kdy začíná střed.

Střed v jednoduché třídílné formě je někdy kontrastní. Poslechněte si „Ušlechtilý valčík“ ze Schumannova „Karnevalu“.

Třídílná forma je věrným společníkem tanečních žánrů. V předklasické době bylo mnoho tanců dvoudílných, ale pokud se vrátíte k Schumannovu Veselému rolníkovi, uslyšíte, že poslední řádky opakují první. Tohle se dělo pořád. Postupně narůstal kontrastní prvek v druhé části dvoudílné formy. Aby to bylo vyvážené, závěrečný díl narostl – a dvoudílná forma přerostla v třídílnou.

Valčíky, pochody, menuety, gavoty, landlery – všude najdete jednoduchou třídílnou formu. Pravda, často se kompozice neomezuje jen na toto a jednoduchá třídílná forma se ukáže být jen částí větší formy. Každá část se ale většinou opakuje, stejně jako se opakují taneční figury.

→ Schubert, “Ländler”

→ Chopin, „Valčík h moll“

→ Prokofjev, „Gavotte“ z Klasické symfonie

Jednoduchá tripartitní forma se stává součástí větších forem nejen v tanci. Nachází se kdekoli, ale zvláště často uprostřed třetí věty symfonie – ať už je to Beethoven nebo Čajkovskij.

→ Beethoven, Symfonie č. 3, 3. věta

→ Čajkovskij, Symfonie č. 4, 3. věta

Přečtěte si Zavřít —>
text • 5 min —>

Existují další dvě formy, které nejsou formálně klasifikovány jako jednoduché, ale nejsou ani složité – jsou variace и rondo. Oba jsou vytvořeny jednoduchým sčítáním písňových forem.

➿ Variace (slovo se stejným kořenem jako ruská „varianta“) jsou nejsrozumitelnější žánr: existuje téma a řada jeho variací (od dvou nebo tří do několika desítek). Téma se opakuje, ale pokaždé v nové podobě – jako člověk, který zkouší mnoho outfitů za sebou. Schéma variací: A A1 A2 A3 A4. atd. Pro skladatele je to skvělé cvičení kreativity.

Variace jsou jedním z nejstarších žánrů instrumentální hudby. Je také snadné to srovnat s písní: v písni se opakuje melodie verše, ale slova jsou pokaždé jiná. V instrumentálních variacích je zachován rámec tématu, mění se však jeho rámování.

Ve staré hudbě byly často psány variace na lidová témata nebo sborová témata. Poslechněte si variace písně „Under the Green Limes“ (počátek 17. století) od holandského skladatele Jana Pieterszoona Sweelincka.

A to už je první polovina 18. století – Händelova slavná „Passacaglia“, také ve formě variací. Všimněte si prosím, jak čas od času nachází novou techniku, novou texturu při zachování harmonického rámce a vizuálního profilu tématu.

Variace si oblíbili i vídeňští klasikové. Pokračovali v psaní variací na písňová témata, jako Mozart, který vytvořil velmi vážný cyklus 12 variací na téma dětské písně (v Rusku se zpívá se slovy „Slyšíš tu píseň u brány? Pastýř volá ovečku“).

Variace by mohly být součástí větší skladby – například sonáty. Mozartovy Variace z dur sonáty jsou jedním z jeho nejznámějších děl.

V éře romantismu se variace staly žánrem virtuózní hudby: skladatelé soutěžili v tom, kdo vezme jednoduché téma a promění ho v řetězec složitých klavírních (nebo houslových) cvičení. To už byla soutěž ani ne tak ve fantazii, jako ve virtuozitě. Například jako Chopinovy ​​variace na téma duetu z Mozartova Dona Giovanniho.

Takové variace mohou narůst do obrovských rozměrů. Na konci romantické tradice se například objevilo takové dílo jako Rachmaninovova „Rhapsody na téma Paganini“ – 24 variací pro klavír a orchestr.

Rondeau je francouzsky „kruh“ nebo „pohyb v kruhu“. Schéma formuláře: ABACADAEA atd. – pohybujeme se v kruhu a téma A se stále vrací. Opakovaná část A se nazývá refrén, ostatní části se nazývají epizody.

Rondo je také velmi stará forma, jeho předkem jsou středověké lidové písně, které doprovázely kruhové tance: sbor pohodlně zpívá totéž, zpívá opakovací refrén a sólista může a také může zpívat různé věci.

Nejznámějším rondem klasické hudby je tzv. „turecké rondo“, finále Mozartovy sonáty č. 11. Říká se mu „turecký“, protože Mozart na klavíru napodobuje turecké bubny a zvony – turecké téma bylo v té době v módě.

Poslouchejte a počítejte: kolik refrénů a kolik epizod je v tomto rondu?

. Dalším slavným rondem vídeňských klasiků je Beethovenův „Rage at the Lost Penny“. Téma refrénu s nepřetržitým chodem rychlých tónů vytváří obraz mince valící se po chodníku.

Klasici rádi používali ronda ve finále symfonií. To je zvláště běžné u Haydna.

Ruští skladatelé také milovali formu ronda. Glinka v něm vytvořila nejméně dvě mistrovská díla: Baladu o Finnovi a Rondo Farlafovi z opery „Ruslan a Lyudmila“. Zakončeme den krásným Farlafovým rondem, kde se text vrací spolu s hudbou.

Přečtěte si Zavřít —>

Kurz první úrovně
Hudba 20. století: od Rachmaninova po Cage

Rozumíme experimentům 20. století, které způsobily revoluci v našem chápání hudby, a vybíráme klíče k hlavním skladatelům – Satie, Debussy, Britten, Messiaen, Stockhausen. Hudba prostoru a strojů, elektronický zvuk a ticho jako výpověď, první velká zvuková představení na světě, noise music – objevíme úžasnou hudbu, kterou jsme možná nikdy předtím neslyšeli, upozorníme na nejdůležitější trendy, kompoziční postupy a estetické vzory průlomového století.